Un ciclo homosexual, filmes gay y lésbicos. Difícil elección, ya que muchas de las películas sobre la temática terminan con sus protagonistas con sida, drogas, aislados o muertos… En este ciclo no se vive la tragedia sino la pasión.
Un ciclo que faltaba en la Docta.
AÑO: 2002
PAIS: Japón
DIRECTOR: Nagisa Oshima
Mercedes visita a su hijo, quien vive en otra ciudad. Ella viaja intuyendo algunos modos de Mariano que más tarde buscará reconocer.
Kioto, primavera de 1865. En el templo Nishi-Honganji, la milicia Shinsengumi está eligiendo los nuevos reclutas que se convertirán en guerreros samurai. El comodoro Isami Kondo y el lugarteniente Toshizo Hijikata están supervisando el proceso de recl
utamiento. Aquellos que esperan ser elegidos deben enfrentarse al mejor hombre de la milicia, Soji Okita. De todos los hombres presentes, sólo dos superan la prueba: HyozoTashiro, un samurai de bajo nivel perteneciente al clan Kurume, y Sozaburo Kano, un hombre apuesto cuyo atractivo resulta seductor. Las inflexibles normas y reglamentos mantienen el orden entre los hombres de este grupo y
son la fuerza unificadora ante la adversidad… Sin embargo, la milicia se ve presa súbitamente de rumores y envidias… la fascinación que el joven sumarai Kano despierta en los otros genera confusión por doquier.
Mercedes visita a su hijo, quien vive en otra ciudad. Ella viaja intuyendo algunos modos de Mariano que más tarde buscará reconocer.
Intuición femenina
El placer de ser, registra el nombre de este ciclo destinado a revelar algunas diversidades sexuales que importan a la hora de definir nuestra personalidad, conociendo nuestros afectos y haciendo respetar la condición elegida. Es un muy buen paso que estos planteos se hagan con la libertad y lejos del melodrama que genera el filme de Pablo Genero.
Plano a plano se va construyendo este cortometraje: con honestidad y responsabilidades compartidas entre el lenguaje del cine que cuenta una historia y la cámara que revela en numerosos primeros planos, intuiciones y sentimientos de los personajes, puestos en la vida allí donde les tocó actuar: madre e hijo. Un camino que pudo ser más corto de no mediar prejuicios y libertades cercenadas en nombre de la moral de una sociedad que prefiere ocultar sus miedos ante que desnudar y blanquear la hipocresía. Como ese ruidoso silencio del merodeo de Mercedes por los cajones de la casa: el deber del cineasta, no es ir a encerrarse cobardemente en un filme, decía Antonin Artaud.
El primer plano de Mercedes del comienzo de ‘el camino’ (de ida), contiene a Mariano en su seguridad y certeza, mientras el primer plano de Mercedes al final, la encuentra en ‘el camino’ (de vuelta), mascullando la pregunta de su hijo: ‘Qué pensás vos?’
Juan José Gorasurreta, en esta Córdoba que hace más largo el camino…
Desde MAX MON AMOUR (MAX, MI AMOR, 1986), usted aparece involucrado en muchos otros proyectos, a destacar HOLLYWOOD ZEN, que no llegó a puerto. En 1996, usted sufrió una grave apoplejía. ¿Cómo ha podido afrontar GOHATTO, y cuáles han sido las dificultades con que se ha encontrado para hacer la película en Japón?
No tuve ningún problema especial. La película se levantó con relativa facilidad con la ayuda de los productores extranjeros (Bac Films, Le Studio Canal Plus, Recorded Pictures). Es cierto que no hace muchos años estuve pensando no dirigir nunca más cine en Japón. Sin embargo, realicé dos documentale para la BBC y el Canal Arte. Quería realizar una película en los EE.UU., HOLLYWOOD ZEN, acerca del encuentro entre los actores Sesshu Hayakawa y Rodolfo Valentino, pero este proyecto quebró en el último momento por razones presupuestarias. Ese es el motivo por el que decidí regresar a Japón y afrontar una película con un presupuesto más razonable…y esa película era GOHATTO. Desafortunadamente, tras anunciar que iba adelante con el film tuve la apoplejía y tuve que dejarlo durante tres años.
¿Cuál es la razón por la que usted eligió adaptar la novela de Ryotaro Shiba acerca del Shinsengumi?
Porque se trata de una historia muy popular en Japón que todo el mundo conoce. De otro lado, R. Shiba es un escritor muy conocido aunque no por este tipo de novelas. Quería sorprender al público japonés eligiendo una obra que fuera ligeramente distinta. No es tan sólo una historia acerca de la milicia en sí, sino sobre la caída de los shogunes Tokugawa y la restauración del Emperador (los Meiji). Cuando era niño, me fascinaba este tiempo y el Shinsengumi, un grupo de samurais que se oponía a la restauración de los Meiji.
¿Llegó a existir en realidad este “Gohatto”? ¿Cuál fue su exacto significado? ¿Existieron verdaderamente los personajes de la película (y del libro), o se crearon con objeto de narrar la historia?
No; ciertamente, los personajes existieron, y también el “Gohatto.” Esta palabra significa “prohibición” o “tabú”. Quería mostrar lo singular del Shinsengumi, y subrayar el hecho de que aquél era el ultimo shogunato. En realidad, no se trataba de genuinos samurais, sino de un grupo de hombres de bajo estrato que se constituyeron como milicia. Había un enfrentamiento entre los que vivían según las normas y aquellos que querían cambiar el curso de la historia. Ya en aquel tiempo, 1865, este “cuerpo” se vio sobrepasado por las nuevas técnicas militares importadas de Occidente.
La espada (“Katana”) era un símbolo del poder para el samurai, pero ya estaba obsoleta. De hecho, la espada no era un símbolo de poder sino más bien el símbolo de la vida y la muerte. Para los miembros del Shinsengumi, sólo representaba poder y eso era TODO.
¿Se vieron los samurais condenados a la desaparición a partir de 1865? ¿Fue ello el fin de una época que se debía a un Japón autárquico, cerrado al resto del mundo durante 300 años, y que finalmente se abrió?
Efectivamente; creo que los samurais estaban condenados a desaparecer, pero no eran conscientes que se trataba del fin de su tiempo.
Usted introduce el tema de la homosexualidad en la película, lo que no puede hallarse en otras películas del género. ¿Estaba en el libro este aspecto?
Era específico de este clan. Cuando se tiene un grupo de hombres, siempre late algún matiz homosexual. La misma situación se encuentra en otro Kabuki clásico del cine, GENROKU CHU-SHINGURA (LA VENGANZA DE LOS CUARENTA Y SIETE SAMURAIS, 1941-42), que escribiera Chushingura. En el pasado, nadie se hubiera atrevido a tocar el tema de la homosexualidad, fuera ésta latente o evidente. Estaba absolutamente prohibido. En mi opinión, no se puede entender el mundo de los samurais sin mostrar ese aspecto homosexual fundamental.
GOHATTO viene a ser su segundo “jidai-geki” (película histórica) tras AMAKUSA SHIRO TOKISADA-THE REVOLT (1962). ¿Requiere este género un enfoque especial por parte del autor?
No. No he hecho GOHATTO como una película histórica. Para mí, no hay diferencia alguna entre éste u otro film de género.
El modo en que ha dirigido la película parece un tanto “clásico”…
Sí. He tratado de acentuar verdaderamente la belleza y “la esencia de asesino” que era bien perceptible entre los hombres del Shinsengumi. Sin embargo, la belleza de Kano está ligada a Eros y Tanatos; ése es el motivo por el que aparece engañosa…
El vestuario que lucen los miembros del Shinsengumi en la película es negro. Históricamente, no llevaban tales prendas…
Cierto. Originariamente, los quimonos del clan eran de un azul brillante con motivos triangulares estampados en ellos. Sin embargo, Emi Wada y yo decidimos crear un vestuario que fuera negro, muy distinto a la realidad.
He optado por la ficción en lugar de hacerlo por la realidad histórica…
¿Cómo interpretaría la última escena?
Para mí, este gesto simboliza el destino del samurai. Dicho de otro modo: su final. Sin embargo, la escena está abierta a interpretaciones…
Hablando de modo más general, ¿Impactará fuertemente en el público japonés el tema de la homosexualidad?
No. No lo creo en absoluto. En esta película, la homosexualidad y la muerte están íntimamente ligados, y eso es lo que lo hace tan bello.
Extracto de una entrevista realizada el 10 de marzo de 2000 en Tokyo por Max Tessier para Positif, aparecida en el número de mayo de 2000.
EL CAMINO MÁS LARGO EL CAMINO MAS LARGO de Pablo Genero. Córdoba, 2006. 23′.
CARTESIUS (René Descartes).
partes 1 y 2.
Italia/Francia, 1974. 160′.
Este film sobre el “Padre de la filosofía moderna”, René Descartes, fue realizado para la televisión europea, describe la lucha agónica de este pensador del siglo XVII en sus intentos por demostrar la supremacía de la razón. Cartesius es la obra más radical de la producción televisiva de Rossellini. El principal movimiento dramático del film se centra en la observación del proceso de maduración de la trayectoria intelectual del filósofo, entendida como el paso previo para la elaboración del famoso discurso cartesiano.
http://karlrossmann.blogspot.com
Trailer Cartesius (sin subtitular)
Una de las últimas obras de Rosellini centrada en la vida del filósofo seguido desde su formación en el colegio de la Fleche y sus experiencias parisienses hasta los años de paciente reflexión en Holanda, que condujeron a la composición de su célebre “Discurso del método”. El film dramatiza el interés de Descartes en las nuevas teorías científicas y sus discusiones con los astrónomos Constantin Huygens y Ciprus. Su vida sentimental se ve reflejada en las relaciones que mantiene con su sirvienta Elezac, y la negativa a reconocer su hijo. Un apasionante ejemplo de la obra experimental de Rosellini para hallar fórmulas de difusión de la cultura y el conocimiento a través de los medios audiovisuales.
Diario El Litoral
NUESTRA PROXIMA CANTINA JUEVES 10/09, LOS ESPERAMOS… MUSICA EN VIVO
Con Marcello Di Falco, Virginio Gazzolo, Tom Felleghi.
Una saga en tres partes que evoca la vida social, económica y religiosa en la Florencia del siglo XV a través de dos figuras-faro: el banquero Cosimo de Medici y el teórico del arte León Battista Alberti.
“Rossellini se planteó describir el surgimiento de una nueva época: el Renacimiento. La idea inicial era realizar dos films sobre el Quattrocento italiano. El primero, sobre el papel de los Medici en el desarrollo comercial de Florencia, y el otro sobre León Battista Alberti (personaje de uno de los capítulos de La edad del hierro) como figura clave en la difusión de los ideales humanistas. Finalmente mezcló ambas personalidades en un hilo narrativo unitario: una serie que documenta la estructura social, política, económica, artística, científica y cultural de Florencia durante el Renacimiento. La estructura en tres capítulos facilitó a Rossellini la realización de un gran fresco histórico sobre el período” (Ángel Quintana).
(255’ duración total) Se completa el jueves 20 con la tercera y ultima parte.
NUEVAS FUNCIONES!!
VIERNES 14 AL DOMINGO 16 A LAS 20:30 HS. EN LOS CINES GRAN REX!
FUNCIONES: VIERNES Y SABADO EN CINE GRAN REX
DOMINGO: HUGO DEL CARRIL
La Quimera presentará junto a Cine El Calefón la película CRIADA, dirigida por Matías Herrera Córdoba- un quimero - Dejamos un adelanto.
Para la función del Jueves también vamos a hacer funcionar La Cantina! y música en vivo de: “Verde Seco”.
Quienes no puedan ver Criada el Jueves, pueden ir a los cines Gran Rex, el Viernes 7 y Sábado 8 a las 21 hs. (pasaje escutti esquina fructuoso rivera, a una cuadra del paseo de los artesanos – LA LUNA)
En unos pocos años, la acumulación de avances científicos y técnicos han hecho dar bruscamente al hombre un salto de siglos. Al mismo tiempo, grandes transformaciones políticas, sociales y económicas han puesto en tela de juicio todo el sistema tradicional de valores que regía la convivencia humana. Todos estos cambios han traído, en consecuencia, un sentimiento creciente de alienación: el hombre ya no se reconocer a sí mismo, ni al mundo del que forma parte.
Y ello ocurre paradójicamente en el preciso momento en que los medios de comunicación se han multiplicado hasta extremos sorprendentes, en que el hombre goza de una posibilidades de información y de conocimiento como nunca había tenido a su alcance a lo largo de toda su existencia. ¿Por qué ocurre esto? ¿Por qué los humanos son cada vez más ignorantes, están cada vez más lejos de la realidad?
Roberto Rossellini, un gran cineasta que renunció a sus privilegios de artista para ponerse humildemente al servicio de la cultura y de la educación(…) Sus ideas son simples, razonables y altamente polémicas. Resultan accesibles a todos -adolescentes y adultos, artesanos y científicos, apolíticos y comprometidos- y a todos conciernen.
Roberto Rossellini, nacido en Roma en 1906, se convirtió en uno de los cineastas mas famosos del mundo con la aparición deRoma, ciudad abierta en 1945, considerada generalmente por los expertos como el punto de arranque del neorrealismo italiano, al que daría con Paisà su título tal vez más representativo.
En 1963 decidió abandonar el cine, en busca de una nueva forma de expresión, «una nueva pedagogía a través de la imagen», que halló brillantemente en La toma de poder por Luis XIV. Sus experiencias siguientes, entre las que destacan Los hechos de los apóstoles, Sócrates -rodada en España-, Pascal, La era de los Médicis y Cartesius, constituyen una obra insólita en sus planteamientos, extremadamente original y rica, cuyo prestigio crece de día en día.
La muerte sorprendió a Rossellini en 1977, cuando preparaba el rodaje de una película sobre la juventud de Karl Marx, Trabajar para la humanidad.
Jueves 30/7: BLAISE PASCAL. Italia/Francia, 1972. 125′.
Jueves 06/8: LA ERA DE LOS COSIMO DE MEDICI. Parte 1 y 2. Italia, 1972. 165′.
Jueves 13/8: LA ERA DE LOS COSIMO DE MEDICI: León Battista Alberti (el humanismo). Parte 3. Italia, 1972. 94′.
Jueves 20/8: CARTESIUS (René Descartes). Partes 1 y 2. Italia/Francia, 1974. 160′.
Además:
Organizan: Cine Club LA QUIMERA y Cine Club SANTA FE + Complejo Teatral de Buenos Aires + Cinemateca Argentina.
Teatro LA LUNA. Pje. Escutti y Fructuoso Rivera. Bº. Güemes.
Entrada libre y gratuita.
Del maestro Roberto Rossellini, se exhibiran 5 telefilmes (SOCRATES, DESCARTES, BLAISE PASCAL, LUIS XIV y COSIMO DE MEDICI) desconocidos en nuestro país a partir del jueves 16/7, llamó a uno de los dos libros que escribió UN ESPIRITU LIBRE NO DEBE APRENDER COMO ESCLAVO.
(…)
Cuando la fiesta nacional
Yo me quedo en la cama igual,
Que la música militar
Nunca me pudo levantar.
En el mundo pues no hay mayor pecado
Que el de no seguir al abanderado
Y a la gente no gusta que
Uno tenga su propia fe
Y a la gente no gusta que
Uno tenga su propia fe
Todos me muestran con el dedo
Salvo los mancos, quiero y no puedo.
(…)
Georges Brassens LA MALA REPUTACIÓN
20,30 horas: EL PRINCIPIO de Artavazd Pelechian. Armenia, 1967. 8′.
Cortometraje realizado a través de imágenes de archico dedicado al 50º aniversario de la Revolución de Octubre 1917. Trabajo tesis de fin de carrera en el VGIK (Instituto de Cine de Moscú) en donde se anticipan las teorías de montaje a distancia elaboradas por el autor: sabio collage de los motines revolucionarios y su expresividad propia.
LaBruce. Alemania/Canadá, 2008. 95′.
Enfant terrible e icono del cine homo-punk, Bruce LaBruce hizo varias películas en una: Otto ó Arriba los Muertos un filme de zombis que combina la comedia romántica, el porno, la política, el terror y la animación. Dos historias se entrecruzan: por un lado la de Otto, recién despertado de entre los muertos y atrapado entre un presente escalofriante y un pasado colorista y hermoso; por el otro, la de Medea, que filma un documental político-sexual en blanco y negro. El singular LaBruce nos ha regalado una de las bellas sorpresas, un maravilloso popurrí visual: ¡arriba los muertos!
Un espacio que nos inventamos para compartir la insolencia y la radicalidad. Pequeñas obras de fricción que derivan entre el museo de arte contemporáneo y la sala cinematográfica. Pero si el primer hogar de LA EDAD DE ORO o de los viajes cinemáticos de Man Ray fue un cineclub, por qué no íbamos a hacerles un lugar a estas películas en La Quimera? Esta vez veremos:
EL GABINETE DE JAN SVANKMAJER de Hermanos Quaid. Ingaltera, 1984. 14′.
Muñecas rotas con la mirada vacía, archivadores de museos olvidados, imprudentes cantidades de polvo, tornillos rebozados de óxido, sombras móviles y esqueletos de pájaros son algunos de los insólitos marteriales que han empleado los gemelos idénticos Timothy y Stephen Quaid para construir una obra cinematográfica que los han convertido en el gran referente de la animación experimental contemporánea. ‘Comparamos nuestro trabajo con un haiku o un espectáculo de ballet contemporáneo porque son dos lenguajes artísticos muy consisos que te obligan a interpretar cada detalle, cada gesto. Para nosotros, el placer es siempre mayor si el espectáculo no es narrativo. De un modo parecido, el haiku juega con la sugestión, no te ofrece soluciones como hacen las películas de Hollywood o la animación de Disney’, dicen los hermanos Quaid. Adentrarse en sus cortos, es penetrar en espacios de creación total, cerrada, completa y perfecta, en estructuras narrativas alógicas, regidas por su propias leyes, enraizadas en lo onírico y en un surrealismo palpitante.
Entrevista a Alfredo Castro (Actor) por Pablo Larrain (director)
¿Qué sientes cuando tienes una cámara a un metro de ti, o menos, por horas y horas durante la filmación?
Siento… A ver… Es que son cuestiones muy privadas.
Ah, entonces no.
Pero está bien decirlas. Tengo la impresión de que yo he puesto en los ojos de los demás durante mi vida, o en algunos momentos de mi vida, una cantidad de poder mortal o poder que da vida muy fuerte.
¿A quién le diste ese poder en Tony Manero?
No, a la cámara. Inconscientemente, le otorgué a la cámara el poder de la mirada del otro. Es como si uno pudiera verse a sí mismo. Es una pesadilla. Como asistir a la propia tragedia. No lo digo en un sentido peyorativo, sino en un sentido súper noble.
¿Descubriste eso mientras hacíamos la película?
No, después. ¿Tú cachái lo que pasa cuando a alguien le cortan un brazo? La persona lo sigue sintiendo y se puede rascar el brazo que no existe o sentir que le duele o que está muy helado cuando ese brazo ya no existe. A mí me pasó eso después de terminar la filmación: algo que estuvo zumbando a mi alrededor ya no estaba, ¿me entiendes?
¿Vacío?
No es vacío. Es la existencia de alguien que había estado mirándome. Eso no es vacío. Alguien estuvo ahí mirándome.
¿A ti o a Raúl Peralta?
¿Qué diferencia hay?
En voyerismo, finalmente, es muy sensual.
Obvio que hay goce, si no yo no haría esto. Y hay mil cosas. Un pudor inmenso, una vergüenza asquerosa…
¿Te da vergüenza?
Mucha, mucha, mucha. La escena de la pieza, cuando bailo solo, es una de las escenas más vergonzosas que he hecho en mi vida.
Cuando bailas el tema del Pollo Fuentes.
Casi me morí. Tuve que traspasar pudores inenarrables.
Hicimos varias veces esa escena. Tú estabas en calzoncillos y con zapatos.
Para esa escena, para que ahora lo sepas y no te sientas ni culpable ni nada porque es mi trabajo, tuve que traspasar barreras de pudor que nunca en mi vida había enfrentado. Yo he actuado en obras en pelota frontal durante 20 minutos, he actuado haciendo de mujer, he hecho gags en televisión vestido de vaca, para ganarme la vida o porque la obra lo requería. Pero esa escena es la más transgresora hacia mí mismo que yo he hecho en 30 años de actor.
Jamás me lo hubiera imaginado… Y es una escena fundamental.
Por eso la hice. ¿Qué posibilidad tenía de negarme?
Otra cosa que no puedo dejar de preguntarte: ¿tuviste algún rollo en trabajar conmigo?
¡Jamás!
¿Con el tema del hijo del derechista y todo lo que eso implica?
Me dijeron: “Cuidado. Pablo es hijo de Hernán Larraín”. Y yo dije: “¿Qué me puede importar? Voy a leer el guión, voy a hablar con él”.
FLACO Y VIEJO
Antes de hacer la película, yo te mostré una foto y te planteé la idea de que el personaje que salía en ella fuera un criminal y bailarín. Luego escribimos el guión. ¿Qué recuerdos tienes de esa foto?
Que empezaste a jugar la trampa, porque el tipo de la foto era muy parecido a mí.
Era muy flaco. Desprotegido. Olvidado.
Digamos que no hay ninguna inocencia detrás de tu gesto, y yo lo entendi y callé. Cuando me mostraste esa foto, yo no miré la foto. Vi tu gesto y entendí que me estabas tendiendo una trampa maravillosa mostrándome a un gallo flaco, viejo, asesino y ambiguo que mira nada por la ventana. Y yo dije: “Pablo me está invitando a que yo me vea y me mire, y voy a aceptar la invitación”. Entonces no es inocente…
El personaje era bien iconográfico, como de una clase social extraña, indefinida, quizás miserable, de esos que a ti te ha tocado representar muchas veces. ¿Por qué siempre tenemos que cruzar a esas zonas?
Porque por ahí drenamos nuestra miseria. Esos seres están de alguna forma poniendo frente a nuestros ojos nuestra absoluta realidad. Sería muy tremendo desconocer que éste es un país del tercer mundo y que lo seguirá siendo por muchas décadas más. Si alguien piensa que Chile ha surgido está completamente loco.
Lo que pasa es que aquí el desarrollo se suele confundir con la cantidad de plata.
Da lo mismo, estamos hablando de otra cosa, estamos hablando de que cuando salimos a filmar llegamos a unos barrios donde quedamos muy impresionados…
¿En Recoleta?
Recoleta, que yo conozco, porque en mi juventud viví ahí con unos amigos de la Escuela de Teatro, eran barrios de gente de clase media, clase media baja, muy baja o miserable, donde se arrendaban piezas. Hoy, de esas mismas casas, salen peruanos. ¿Te acuerdas de esa mujer golpeada, recién golpeada? El borracho que cantaba y que pedía cámara… Yo, que soy mucho más viejo que tú, puedo decir que este país sigue siendo el mismo que hace 30 años, pero con una miseria incluso más dura, ¿me entiendes?
En el cine y en el teatro sólo muy de vez en cuando somos capaces de dar testimonio de esa realidad.
Lo que pasa es que ahora las mediciones son tremendamente falsas. Me vine en metro y de la gente que va a Puente Alto desde Tobalaba, algunos podrían perfectamente ser Raúl Peralta. Ahora hay más pliegues, porque aparentemente hay más acceso a cosas, todos andan con un Mp3 puesto en la oreja, pero la pobreza también cambia de textura.
Yo entiendo que Raúl Peralta es de una violencia mayor. ¿Pero te acuerdas que en Europa nos preguntaban tanto por qué era tan violenta la película? Y nosotros les decíamos “De qué nos hablan si tienen dos guerras mundiales en un siglo”.
Yo no estoy de acuerdo con eso, Pablo.
¿Por qué no?
Les impresionó la violencia de la miseria.
Yo pienso que les llama la atención la verdad de la violencia. Su falta de efectismo.
Que es la miseria.
Y que en la película no está estilizada. No hay combos ni patadas ni gestos arquetípicos.
No te equivoques, no es la violencia del personaje, es el paisaje que tú muestras. Yo entendí ahora que a ellos los transgredió es que tú fueras capaz de instalar un paisaje donde todo es muy violento. En Europa nadie conoce esas telas, nadie se viste así, nadie tiene esa fealdad, nadie habla de esa manera, nadie tiene esos anhelos, esas micros no existen. Incluso nos preguntaron “¿Por qué tan violentos?”. Yo les dije “A ver, espérate un poco, acá hubo un holocausto, tuvieron ocupación nazi, un gobierno nazi, ustedes mataron a mujeres francesas a pedradas porque fueron amantes de nazis, en este continente hay gente que se come a otra gente viva y la corta en pedazos y la guarda en refrigeradores”. ¿Eso no es violento?
Para terminar, Alfredo, ¿cómo es para ti Tony Manero?
Una película muy triste.
Uno de mis miedos es que la película adquiera fama de ondera, porque tiene elementos pop, kitsch, Enrique Maluenda, El Festival de la Una, Fiebre de sábado por la noche… ¿Qué crees que va a pasar con la película? Yo francamente no sé.
Yo creo que va a tener una muy buena recepción. Quien se meta en esa supuesta onda sin haber visto la película es un imbécil.
http://www.paula.cl/blog/entrevista/2008/08/25/la-verguenza-de-tony-manero/
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