THE LIFE AND DEATH OF A PORNO GANG, DE Mladen Djordjevic

SERBIA- 2009 – 106 MIN

JUEVES 26  DE OCTUBRE – 20:30 HS 

En TEATRO LA LUNA Pasaje Escutti 915 – Córdoba

Entrada libre – Contribución voluntaria

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Marko es un joven director de 30 años de Belgrado. Tras no conseguir financiación para su primera película, conoce de casualidad a Cane, un director porno y empieza a hacer películas con él. Entonces se le ocurre la idea de mezclar porno y teatro, creando el primer cabaret porno. Pero a las autoridades no les gusta un pelo, y con el resto de la compañía deciden hacer una gira por la Serbia rural. Allí seguirán con las aventuras y descubrirán el mundo del snuff… (FILMAFFINITY)

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“The Life & Death of a Porno Gang” es una película escrita y dirigida por Mladen Djordjevic, una secuela paralela de su documental acerca de los actores porno serbios: “Made in Serbia”. Muchas veces se le preguntó al director que cuál era su obsesión de filmar acerca de estos actores de la industria, y siempre ha respondido: “para encontrar lo oculto”. Por ello la película que nos compete funge como un espejo de la realidad que busca exponer lo que no se ve. Una sociedad apática y desmoronada, pero vista a través de los ojos de aquellos que producen pornografía en ese país. El porno casero y amateur que se produce por quienes, para ganarse la vida, son vistos como lo más bajo de la escala social.

Y es curioso, Ruggero Deodato generó críticas a la sociedad occidental usando sus sanguinarios caníbales, mientras que George A. Romero atacó al racismo gracias a sus muertos vivientes. En el caso de Djordjevic, éste generó una fuerte crítica al Serbia que nadie conoce, usando como personajes un puñado de actores porno, marginales e incomprendidos. Estamos hablando de un film de horror, visceral y hasta gore que se desarrolla de forma enfermiza en los mismos tópicos que “A Serbian Film”: la pornografía y el snuff, pero con un telón de fondo más evidente y explícito, más allá de lo visceral.

Cómo es que en la sociedad Serbia de hoy en día se miran unos con otros en una feroz batalla rutinaria y conservadora, teniendo a sus espaldas esos antecedentes históricos de guerras y violencia, y lo que provocó la sin censura del cine como industria y la propia televisión. Cómo es que se vuelca la sensibilidad del arte y el porno, volviéndose para ese ambiente y situación: “repugnante”. De ahí que este film nos lo parezca, porque reúne con sus personajes todo aquello que se critica, o todo aquello que es prohibido. El propio Mladen Djordjevic confesó haber intentado hacer la metáfora del Eros contra el Tánatos haciendo uso de estos elementos.

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He ahí el nombre de la película. Conoceremos la vida y la muerte, de forma literal y hasta interna, de estos sujetos atrapados en un micro mundo sin oportunidades, yendo contra la corriente. Una mirada desoladora y repulsiva, pero que aún siéndolo, el tratamiento de Djordevic lo hace hermoso y hasta estético.

La película posee cierto halo destructivo no sólo contra la sociedad Serbia, sino también con la propia existencia. De ahí que la ética y la moral choquen contra sus actos. De ahí que los cuestionamientos de cada uno de los personajes se inclinen más a comprender cada faceta de sus vidas. El por qué de lo que ocurre, el por qué de seguir o hasta el por qué de morir. Una especie de viaje entre paraíso e infierno, de placeres carnales que se tuercen a la perdición, y uno a uno se va consumiendo. Una posible referencia al existencialismo de corte francés, muy al estilo “A puerta cerrada” de Paul Sartre. Atrapados y soportándose unos con otros en su propio infierno.

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THE LIFE AND DEATH OF A PORNO GANG, DE Mladen Djordjevic

BROTHERS OF THE NIGHT, de Patric Chiha

JUEVES 19 DE OCTUBRE – 20:30 HS 

En TEATRO LA LUNA Pasaje Escutti 915 – Córdoba

Entrada libre – Contribución voluntaria

 

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Un grupo de jóvenes búlgaros llegan a Viena en busca de libertad y de dinero fácil. Venden sus cuerpos como si fuera todo lo que tienen. Sólo les consuela, y también reconforta, el sentimiento de pertenencia a un grupo. (FILMAFFINITY)

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Trailer
https://www.youtube.com/watch?v=LwOFej3Zo3A

BROTHERS OF THE NIGHT, de Patric Chiha

Kalinga Utkal, de Pablo Picco

Argentina, India y Nepal – 2017 – 85 min

JUEVES 12 DE OCTUBRE – 20:30 HS – en TEATRO LA LUNA Pasaje Escutti 915 – Córdoba

ESTRENO EN CÓRDOBA, CON LA PRESENCIA DEL DIRECTOR

Entrada libre – Contribución voluntaria

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Kalinga Utkal es un documental experimental filmado en India y Nepal. Por el camino que va trazando, recorre caóticas ciudades inundadas por el corazón latente de la fe hinduista y budista . Sin dejar de marcar el ritmo propio del pulso interior, las imágenes que combinan el concepto de cine-ojo, se van mezclando con secuencias deformadas y manipuladas en una travesía introspectiva de collage digital artesanal.

La Eternidad no es el cosmos / La Eternidad no es la nada / La Eternidad es el desierto, que con tus ojos mira.

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Kalinga Utkal, de Pablo Picco

TRIPLE FUNCIÓN en CORTÓPOLIS

JUEVES 5 DE OCTUBRE

Funciones en el TEATRO LA LUNA Pasaje Escutti 915 – Córdoba
Entrada libre – Contribución voluntaria

Este jueves tenemos triple función en el marco de la MUESTRA CORTÓPOLIS 2017!

20.00 hs. Cortos Emergentes 2016

Tercera edición de este proyecto que Cineclub La Quimera viene impulsando desde el año 2014. Un grupo de realizadores es invitado a reflexionar y a compartir procesos de trabajo e ideas en torno al lenguaje cinematográfico.

En programa:

Amor fou, de Ana Fernández Comes

Usted está aquí, de Natalia Zamar

Stalker II: El desierto de la compañía, de Diego Martínez

Sin título, de Juana Zuñiga. Musicalizado en vivo.

La entrega de Nicanor, de Orlando Rossomando

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21.00 hs. Nitrato argentino científico  

Selección de cortometrajes restaurados por el Museo del Cine y sono-musicalizados en vivo por Club Sportivo Tritono,

dúo integrado por Atilio Sánchez y Federico Disandro.

En programa:

  • Una excursión al país de los crustáceos

    La flor viviente que encierra el mar

    La vida del corazón

    Oceanografía entre los echinodermes

    La medusa

    Una serpiente inofensiva – la culebra

     

    Cacería de fieras en África

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22.00 hs. Foco Fred Halsted

Nacido en Long Beach y crecido en el Estado de California, Fred Halsted capturó filmicamente Los Ángeles en L.A. Plays Itself (1972) como pocas otras películas podrían haber hecho. Dicha película manifiesta explícitamente el espíritu de outsider que siempre mantuvo Halsted. Su decisión de mantenerse en la marginalidad y reivindicar esa misma esfera se manifiesta en otros cortometrajes que dirigió en los años setenta como Sex Garage y Sextool. Su apogeo profesional llegó con la adquisición por parte del MoMA de su obra en la colección permanente del museo.

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TRIPLE FUNCIÓN en CORTÓPOLIS

SUNRISE, DE MURNAU (CON MÚSICA EN VIVO)

SUNRISE, Una canción de dos seres humanos
de F.W. Murnau
Alemania – 1927 – 94 min

Musicaliza TOMATES ASESINOS

JUEVES 28 DE SEPTIEMBRE – 20:30 HS

Funciones en el TEATRO LA LUNA Pasaje Escutti 915 – Córdoba
Entrada libre – Contribución voluntaria

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Continuamos con el díptico MURNAU MUSICALIZADO EN VIVO. La experiencia del cine mudo como en aquellos años.

ACERCA DE TOMATES ASESINOS

Luis El Halli Obeid, Esteban Favaro y Santiago Guerrero

Tomates Asesinos es una banda que desde 2003 viene mixturando un cóctel tan desprejuiciado como extremo. Electrónica, canciones de clara filiación pop, guitarras furiosas, aires folclóricos y climas instrumentales. Épicos, rítmicos, ruidistas y atmosféricos. Siempre en busca del exceso sonoro y verbal, el absurdo y lo surrealista.

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SUNRISE, UNA CANCIÓN DE DOS SERES HUMANOS

‘Amanecer’ (‘Sunrise’, F.W. Murnau, 1927) es una película irrepetible, única y en ella se encuentras las bases de todo lo que vendría después. Una de esas películas sobre las que todo está dicho, y lo único que podemos hacer ahora es continuar hablando para que su recuerdo no se pierda en la inmensidad de ese cruel invento llamado tiempo. François Truffaut decía que en el futuro los críticos hablarían del séptimo arte sin conocer el cine de Murnau, una aseveración quizá demasiado atrevida o exagerada, pero que poco a poco, como una lenta amenaza, se vierte sobre los nuevos cinéfilos/críticos, contagiados de tanto desorden posterior. En cualquier caso, esta película, bautizada en su momento como la obra maestra del especialista en obras maestras, no deja indiferente a nadie en su primer visionado, uno de esos irrepetibles impactos que todo amante del cine recuerda siempre.

Tras el éxito de ‘Fausto’ (‘Faust’, 1926), e impresionado por la calidad de ‘El último’ (‘Der letzte Mann’, 1924) —recordemos, una película muda sin un sólo intertítulo demostrando así que la puesta en escena es la herramienta narrativa más importante del cine—, el productor William Fox ofreció a Murnau la oportunidad de estrenarse en suelo estadounidense, y concretamente en el soñado Hollywood. Para ello el director alemán tuvo a sus disposición el prespuesto más alto jamás concedido a una producción cinematográfica y una libertad absoluta, algo que hoy día parece impensable. Invitados por Fox, en el rodaje estuvieron Frank Borzage, John Ford y Howard Hawks, muy cerca de Murnau, aprendiendo, tanto que en los mismos decorados se filmó ‘El séptimo cielo’ (‘The 7th Heaven’, 1927) y ‘Cuatro hijos’ (‘Four Sons’, 1928), films que beben sin disimulo de ‘Amanecer’.

(Spoilers) La trama de ‘Amanecer’ es sencilla en apariencia, una historia de amor que en todo momento corre el peligro de caer en la ñoñería. Es más, esta película hoy día sería inviable, a no ser que alguien tenga la capacidad de abstracción que tenía Murnau —en este momento sólo me viene a la mente Paul Thomas Anderson—, y cuya mano convirtió esta historia en pura poesía visual. La historia de un hombre de pueblo, casado y con una pérfida amante que le convence para vender su granja e irse a la ciudad, teniendo para ello que asesinar a su propia esposa, navega por los lugares más comunes —no lo eran cuando el film se estrenó, el próximo sábado hará 85 años justos—, sin caer jamás en la vulgaridad o la evidencia. El secreto está en la puesta en escena de Murnau, que encierra numerosos detalles en cada plano, haciendo verdad aquella opinión de Andrei Tarkovsky sobre la inutilidad de buscar contenidos en una película cuando lo verdaderamente importante son las formas y los misterios que las mismas encierran.

Así pues ‘Amanecer’ parece una obra sencilla, la diferencia entre lo que se quiere decir y lo expresado es muy breve. Dicho de otra forma más común, Murnau hace fácil lo difícil. El film posee un gran poder de magnetismo gracias a la labor de su director, quien debió prescindir de su querido Karl Freund en la fotografía, siendo sustituido por Charles Rosher y Karl Struss, con un extenso currículum y ganadores del Oscar por su labor en la película, manifestación perfecta de las inquietudes de Murnau, quien tenía la última palabra en todo. Murnau se adelantó a su tiempo escapando de la cámara estática tan de moda en aquellos primeros años del cine. Son famosos los travellings que acompañan al hombre (George O´Brien) al lado de su malvada amante (Margaret Livingston), presagio del mal, para más tarde realizar una idéntica operación cuando el matrimonio en la ciudad sale de una iglesia y uno de los besos más apasionados de la historia provoca un caos en el tráfico. De esta forma Murnau tiende al contraste de situaciones durante todo el film, para cada acción encuentra su reverso y viceversa.

(…) Pocas películas plasman de manera tan devastadora y visceral la aventura de amar, la más peligrosa y emocionante de todas las aventuras.

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SUNRISE, DE MURNAU (CON MÚSICA EN VIVO)

FAUSTO, DE MURNAU (CON MÚSICA EN VIVO)

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Comienza este jueves el díptico “MURNAU MUSICALIZADO EN VIVO”, donde proyectaremos dos películas del director alemán musicalizadas en nuestra sala por bandas de la escena local. La experiencia del cine mudo como en aquellos años.

PROGRAMA

Jueves 21 de septiembre – 20:30hs

FAUSTO

Alemania – 1926 – 100 min
Musicaliza LA SUPERLIGA ARGENTINA
Leandro Naranjo en percusiones electrónicas, Claudio Krapacher en guitarras, Martín Emilio Campos en bajos, Federico Domínguez en sintetizadores, Nicolás Garay en samples
Jueves 28 de septiembre – 20:30hs

SUNRISE

Alemania – 1927 – 94 min
Musicaliza TOMATES ASESINOS
Luis El Halli Obeid, Esteban Favaro y Santiago Guerrero

Funciones en el TEATRO LA LUNA Pasaje Escutti 915 – Córdoba
Entrada libre – Contribución voluntaria

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FAUSTO

La leyenda de Fausto ha sido llevada al cine inumerables veces, ya desde sus inicios con obras como ‘El estudiante de Praga (1913)’ o ‘Rapsodia satánica (1915)’ o más adelante con dramas como ‘El hombre que vendió su alma (1941)’ o incluso comedias musicales casi paródicas como ‘Malditos yanquis (1958)’. Pero ninguna de ellas brillará con la luz propia que emana ‘Fausto’ de Murnau, adaptación homónima de la obra de Goethe (que no he tenido el placer de leer, por lo que no sé si es del todo fiel a la novela). La historia nos sitúa en una pequeña ciudad durante la Edad Media. Ahí reside Fausto, un sabio, ya anciano, que se dedica a la transmutación de metales y a intentar crear el elixir de la vida eterna.

Murnau, que ya había demostrado que la creación de atmósferas truculentas, desalentadoras, oscuras, era lo suyo decidió dar un nuevo paso adelante con su Fausto. Ya le habíamos visto trastear con la iluminación y los juegos de sombras en Nosferatu o crear de la nada, mediante humareda espesa, sensaciones de vahído, de vértigo en El último. Todo ello forma parte del ya mastodóntico inicio de Fausto. Los primeros minutos no tienen desperdicio; con un ángel dialogando con Satanás, prometiéndole el primero la Humanidad si consigue arrebatarle el alma a Fausto. Impresionante inicio, con una puesta en escena magistral, con jinetes portadores de desgracias sobrevolando los cielos, con la sensación achicharrante de residir en el infierno. El virtuosismo de Murnau queda patente en un montaje soberbio, que no da lugar al descanso (al menos, como digo, en esos minutos iniciales). Ahí es dónde vemos, al menos de forma más explícita, la genialidad del cineasta alemán: rompe todas las teorías narrativas expuestas por Griffith unos años antes.

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El carácter meticuloso de Murnau hizo que los preparativos y el rodaje de la película se prolongasen durante más de dos años. El proyecto contó con un presupuesto superior al millón de marcos, una cifra desorbitada para la época. El film destaca por su cuidado aspecto pictórico y por una imagen impecable. Berriatúa recuerda que el realizador germano, licenciado en Historia del Arte y Literatura, siempre había soñado con ser un pintor. La fotografía de «Fausto» recuerda a los grandes genios de la pintura, en especial a Rembrandt pero también a Böcklin, Munch, Kaulbach o a los prerrafaelistas.
La composición de los planos destaca por su exquisitez y por un control magistral de las líneas de fuga, utilizadas en numerosas escenas para conducir la mirada del espectador hacia puntos concretos de la pantalla. Durante el rodaje fueron empleadas dos cámaras y algunos de las escenas fueron grabadas varias veces durante interminables jornadas de trabajo. Por ejemplo, se empleó un día entero para filmar la escena en la que las letras del contrato con el diablo aparecen por arte de magia. Por otra parte, el uso expresionista de la luz es heredero directo de la etapa teatral de Murnau en la compañía de Max Reinhardt, quien dotaba a sus puestas en escena con logrados efectos lumínicos y que recurría a pintores como Munch para la realización de sus decorados.
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FAUSTO, DE MURNAU (CON MÚSICA EN VIVO)

EL HOMBRE DE LA CÁMARA, de DZIGA VERTOV

Unión Soviética – 1929 – 67 min

JUEVES 14 DE SEPTIEMBRE – 20:30 HS

En el TEATRO LA LUNA Pasaje Escutti 915 – Córdoba

Entrada libre – Contribución voluntaria

En la antesala del díptico “MURNAU MUSICALIZADO EN VIVO” que tendrá lugar los dos últimos jueves de septiembre, presentamos un clásico del cine ruso.

En esta oportunidad, con música de la Cinematic Orchestra.

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El Hombre con la Cámara, muy en la línea de “Berlín, sinfonía de una gran ciudad” (1927) describe el trascurso de un día en una ciudad rusa mediante cientos de pinceladas fílmicas sobre la vida cotidiana. Podría decirse que se trata de un retrato puntillista en el que sólo la totalidad de los breves retazos permiten percibir la ciudad en su totalidad. Con la complicidad de su hermano, el operador Mikhail Kaufman, Vertov, fiel a su teorías, no permite ni por un momento que se pueda suponer que alguno de esos retazos pueda imaginarse inventado. Por ello en el vertiginoso montaje que plasma la fascinación de Vertov por el constructivismo y el futurismo, introduce constantemente imágenes del operador que con su cámara está filmando la realidad que le rodea. (FILMAFFINITY)
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EL HOMBRE DE LA CÁMARA, de DZIGA VERTOV